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3 |
Competencia Internacional |
International Competition |
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1.0 |
2009-03-06 11:10:20 |
2011-03-19 22:17:58 |
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3 |
Competencia Argentina |
Argentine Competition |
Hubo años en que nos costaba mucho encontrar películas para esta competencia. Aunque, para ser más precisos, lo que nos costaba era encontrar modos de diálogo entre las películas, sistemas estéticos y productivos, colisiones generacionales, hiperrealismo y artificios cruzándose en tráfico pesado. Políticas del cine, en suma. Este año seleccionamos catorce películas. La mitad son óperas primas. Otras cuatro son segundas películas. Y otras tres son de “veteranos” en su cuarta o quinta película. Ellas no exponen una realidad del cine argentino sino que exponen el cine a múltiples realidades. Esta Competencia Argentina pudo y puede ser discutida pero nunca puede dejar de establecer relaciones de tensión. Hace de la fuerza su diversidad. Líneas de fuerza. Apuestas que piensan los géneros (Masterplan, Villegas), o que los pulverizan (Cassandra). Lógicas del documental que retuercen la previsibilidad, que hacen de la mirada una política (17 monumentos), de la familia una ficción (Papirosen), del recuerdo una obsesión maleable (La chica del sur), o de la heterodoxia un sistema de líneas narrativas y laberintos racionales (Ante la ley). Geografías del silencio (Igual si llueve) o de la palabra (Mis sucios 3 tonos). Tensión sexual subterránea (El espacio entre los dos), explícita (Al cielo) o simbólica (Salsipuedes). El cine como interrogación (Dioramas) o poesía salvaje (Dromómanos). Descubrimientos, cambios de rumbo, confirmaciones. Más allá de los juicios, siempre discutibles: un cine vivo. <b>Sergio Wolf</b><br> <i>La versión completa de este texto puede consultarse en el catálogo del Festival. </i> |
There were some years when we would have a lot of trouble finding films for this competition. Although, to be more precise, the thing that we couldn’t find was dialogues between the films, the aesthetic and production systems, the generational clashes, the hyperrealism and artifice crossing each other in heavy traffic. In short, the politics of cinema. This year we’ve selected fourteen films. Half of them are first films. Four are second films. And three others were made by “veterans” who have already made four or five films. They don’t show the reality of Argentine cinema but instead expose cinema to multiple realities. This Argentine Competition may be debated, but it can never cease to establish tensions. It’s strong because it is diverse. Power lines. Films that bet on genres ( Masterplan, Villegas), or pulverize them ( Cassandra). Documentary logics that twist expectations, turning perspectives into politics ( 17 monumentos), families into fiction ( Papirosen), memory into a malleable obsession ( La chica del sur), or heterodoxy into a system of narrative lines and rational labyrinths ( Ante la ley). The geographics of silence ( Igual si llueve) or words ( Mis sucios 3 tonos). Underlying sexual tension ( El espacio entre los dos), which can be explicit ( Al cielo) or symbolic ( Salsipuedes). Cinema as interrogation ( Dioramas) or savage poetry ( Dromómanos). Discoveries, changes of direction, confirmations. All arguable evaluations aside, this cinema is alive. <b>Sergio Wolf</b><br> <i>Read the full story in the Festival catalogue.</i> |
1.0 |
2009-03-06 11:11:51 |
2012-03-21 15:42:06 |
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3 |
Competencia de Cortos Argentinos |
Argentine Short Films Competition |
Para esta edición se presentaron cerca de quinientos cortos: todos y cada uno de ellos fueron vistos, pensados y discutidos, en el marco de un diálogo intenso que se actualiza cada año. Nos preguntamos, recurrentemente, cómo organizar una selección heterogénea y viva de películas personales en su razón de ser y en sus procedimientos, que inviten a repensar los caminos del cine; películas inquietantes y en las que se manifieste la sorpresa, sea cual fuere la forma que adopte. Nos interesa la amplitud de posibilidades que se abre en la articulación de géneros o en la tensión de unos con otros: la ficción es experimental (siempre lo fue), la comedia también puede ser documental, mientras que el documental es ficción (se sabe hace rato, pero todavía sorprende y nos gusta ver cómo). En esta selección, conformada por dos programas competitivos y una serie de muestras, no hay mejores ni peores. Si bien existe una competencia, tiene sentido –más allá de que las premiaciones siempre arrojen algo de luz y algo de sombra– sólo en la medida en que pueda estimular a los realizadores. Celebramos que haya películas de todas las duraciones en las distintas secciones del Bafici, que se defienden en su medida y su tiempo, y que en el programa dialogan con otras películas para hacernos pensar en los posibles nuevos sentidos surgidos de ese diálogo. Celebramos también que se usen cámaras digitales, analógicas y que se siga viendo que, mientras existan ideas e inquietudes, también se puede filmar sin cámara.<br> <b>Violeta Bava y Eloísa Solaas</b><br> <i>La versión completa de este texto puede consultarse en el catálogo del Festival. </i></p> |
Almost five hundred short films were submitted for this edition of the festival: each and every one of them was watched, considered, and debated, as part of an intense dialogue that renews itself every year. We’re always asking ourselves how to organize an heterogeneous and lively selection of films with personal procedures and reasons, which could invite everyone to rethink the path of cinema. Restless films that would express surprise, regardless of the shape they adopt. We’re interested in the wide range of possibilities that opens up thanks to the articulation of genres or the tension between them: fiction is experimental (it has always been), a comedy can also be a documentary, and documentary is fiction (we’ve known that for a while now, but it’s still surprising, and we love to see how that happens). This selection is formed by two competitive programs and a series of exhibitions, and there are no best and worse here. Although there is a competition, it makes sense only if it can stimulate filmmakers –apart from the fact that awards always shed some light and shadow. We celebrate the fact that the different sections of Bafici have films with all kinds of durations, and that they can argue in favor of their size and timeframe and connect with other films in order to make us reflect on the new possible meanings that result from that connection. We also celebrate that people are using both digital and analogical cameras, and that it’s still safe to say that as long as there are ideas and concerns, you can even film without a camera.<br> <b>Violeta Bava y Eloísa Solaas</b><br> <i>Read the full story in the Festival catalogue.</i> |
1.0 |
2009-03-06 11:12:48 |
2012-03-22 20:00:58 |
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3 |
Cine del Futuro |
Cinema of the Future |
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2009-03-06 11:27:49 |
2011-03-28 16:44:30 |
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5 |
Baficito |
Little Bafici |
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1.0 |
2009-03-06 11:30:51 |
2011-03-23 14:11:30 |
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7 |
Panorama |
Panorama |
NaN |
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1.0 |
2009-03-06 11:31:01 |
2011-03-19 22:20:40 |
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7 |
Trayectorias |
Careers |
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2009-03-06 11:31:31 |
2011-03-19 22:21:37 |
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7 |
La Tierra Tiembla |
The Earth Trembles |
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2009-03-06 11:32:07 |
2011-03-19 22:22:03 |
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7 |
La Ley del Deseo |
Law of Desire |
Se sabe: el sexo puede ser un juego, un castigo o incluso una profesión; pero es ante todo un instinto, el que nos recuerda nuestra pertenencia al reino animal. Las ficciones de este grupo están en estado de ebullición, de las chicas transgresoras de Q a la marca del amor físico en Un amour de jeunesse, pasando por la visita higiénica utilizada como “pago en especies” en The Slut. Para matizar, también hay documentales sobre prostitución (Buy Me!, Whores’ Glory), y otro sobre el famoso actor porno francés HPG (Il n’y a pas de rapport sexuel), una exploración de la sexualidad queer (Community Action Center) y el retrato algo experimental del argentino Homero Cirelli sobre una moderna partidaria del esclavismo (Sado). Nuestra Albertina Carri, a su vez, vuelve al comienzo del texto (lo animal) en Pets, un cortometraje explosivo. |
It is well known: sex can be a game, a punishment, or even a profession. But, above all, it’s an instinct, which reminds us we’re part of the animal kingdom. The fiction films in this group are in a boiling state, from the transgressor girls in Q to the mark of physical love in Un amour de jeunesse, including also sexual visitations as forms of payment in The Slut. To balance it out, there are also documentaries on prostitution (Buy Me!, Whores’ Glory), and another one about famous French porn actor HPG (Il n’y a pas de rapport sexuel), an exploration or queer sexuality (Community Action Center) and Argentine filmmaker Homero Cirelli’s somewhat experimental portrait of a modern defender of sexual slavery (Sado). Our own Albertina Carri, in turn, goes back to the beginning of the text (the animal element) in Pets, an explosive short film. |
1.0 |
2009-03-06 11:33:47 |
2012-03-20 18:22:27 |
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7 |
Imágenes Paganas |
Pagan Visions |
Ahí donde lo sagrado lo rechaza, está lo pagano. Un territorio que a veces se pretende a sí mismo ortodoxo y ritual, con sus propias iglesias e íconos: ahí están la movida rave de Anna Pavlova Lives in Berlin, o los granjeros que llevan sus reses a la lucha cuerpo a cuerpo en Battle of the Queens; o, yendo a un terreno más espiritual, los sanadores y sus terapias en Quantum Men (con Cristóbal Jodorowsky como estrella invitada) y Esas voces que curan (el canto como redención corporal). El pasaje de lo sagrado a lo pagano es atractivo y tentador, como bien sabrá la adolescente mormona del drama Electrick Children en su viaje a Las Vegas. A la inversa, encontrar lo sagrado en la cotidianeidad requiere un gran esfuerzo de observación, como el que hace Michael Pilz en su Roman Diary. No menor al del artista plástico León Ferrari, todo un especialista en lo iconográfico como expresión de los mitos subyacentes de la cultura, en el documental Civilización. |
Paganism lies there where it is rejected by the sacred. It’s a territory that sometimes assumes itself to be orthodox and ritual, with its own churches and icons: that’s where we find the rave scene in Anna Pavlova Lives in Berlin, or the farmers that lead their cattle to a hand in hand fight in Battle of the Queens; or if we go to a more spiritual ground, the healers and their therapies in Quantum Men (with Cristóbal Jodorowsky as a guest star) and Esas voces que curan (singing as redemption for the body). The passage from sacred to pagan is attractive and tempting, as the Mormon teenager in the drama Electrick Children knows as she travels to Las Vegas. On the contrary, finding the sacred in everyday life requires a great observational effort, like the one Michael Pilz does in Roman Diary. Or the one artist León Ferrari, a specialist in iconography as the expression of underlying myths in culture, performs in the documentary Civilización. |
1.0 |
2009-03-06 11:34:46 |
2012-03-19 20:45:12 |
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7 |
Álbum Familiar |
Family Album |
Cada familia, un mundo. Esta sección, mayormente ficcional pero con algunos documentales de dramatismo casi literario, tiene familias de todos los tipos: los separados que pelean por los hijos (Everybody in Our Family), los padres enfermos que movilizan al resto del clan (Best Intentions, Home for the Weekend), el padre con tendencias suicidas (El huaso), las hijas que aprenden a cocinar solas porque los padres están trabajando (Los días), o la mucama que debe hacerse la desentendida ante los problemas de sus empleadores (Totem). Otras veces, la familia está desintegrada y es el cine el que busca reunirla de alguna manera, como hace la realizadora del documental chileno Hija, al emprender la búsqueda de su padre biológico. En todos los casos, lo familiar es el ámbito del conflicto y la evocación, el lugar utópico o una madriguera de la que es necesario escapar. |
Every family is its own universe. Although it has a few documentaries with almost literary elements of drama, this mostly fictional section includes all kinds of families: a separated couple fighting for their children (Everybody in Our Family), sick parents who affect the rest of the clan (Best Intentions, Home for the Weekend), a father with suicidal tendencies (El huaso), daughters who learn how to cook because their parents are working (Los días), or the maid who has to stay indifferent to the problems of their employers (Totem). And sometimes, families are disintegrated, so cinema tries to somehow reunite them, like the director of the Chilean documentary Hija does, when she sets out to find her biological father. In every case, families are an environment for conflict and evocation, an Utopian place or a burrow they need to escape from. |
1.0 |
2009-03-06 11:35:13 |
2012-03-19 20:47:21 |
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8 |
Foco |
Focus |
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1.0 |
2009-03-06 11:36:16 |
2010-03-19 00:56:12 |
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4 |
Cine Planetario |
Planetarium Cinema |
Desde su creación, el Bafici ha sido un barómetro y un sismógrafo del cine, pensando en las direcciones y movimientos, en ver lo que está ocurriendo y predecir lo que va a ocurrir. Pero esta vez, suma un nuevo espacio caracterizado por trabajar con instrumentos que sirven para ver –o soñar, o imaginar que vemos– nada menos que el cielo. Ver más es un rasgo que define al Bafici. Pero también lo define el “ver de otro modo”, y es así que esta programación Fulldome, que contempla un campo de 360 grados, se incorpora con una selección especial que abarca programas para chicos de distintas edades –desde Topos, con sus animales de nombres filosóficos, hasta los inquietantes Jeepers Creepers– o bien para jóvenes o adultos deseosos de nuevas experiencias –The Wall o U2–, pero hermanándolos en un gusto por el cine que hace tiempo ha dejado de ser un arte que sólo disfrutable en los viejos coliseos o en los museos, para abrirse en mil direcciones. Esta vez, el cine nos envuelve, literalmente. |
Ever since its creation, Bafici has worked as both a barometer and seismograph for cinema, analyzing the directions and movements it makes, seeing what’s taking place, and predicting what will happen. But this time, it adds a new environment, which is equipped with instruments meant to watch –or dream, or imagine that we ’re watching– nothing less than the sky. Watching more is yet another defining feature of Bafici. But it’s also defined by “watching things differently”, and so this Fulldome program –which contemplates a 360º field– is incorporated with a special selection that includes programs for kids of different ages –from Topos and their animals with philosophical names to the intriguing Jeepers Creepers– or rather young people and adults open to new experiences –The Wall or U2. They’re all connected through their taste for a kind of cinema that, for a long time now, has ceased to be an art only enjoyable in old coliseums or museums, and it has opened up in a thousand directions. Cinema is around us. This time literally. |
1.0 |
2009-03-06 11:46:22 |
2012-03-19 20:28:55 |
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| 38 |
10 |
Actividades Especiales / Entrega de Premios |
SPECIAL ACTIVITIES / AWARDS CEREMONY |
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2009-03-12 12:19:52 |
2012-03-27 16:41:09 |
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8 |
Gérard Courant |
Gérard Courant |
En su máxima intimidad tecno, en su corazón científico, el cine se puede definir simple y literalmente como fotografía serial, una forma de disparar una y otra vez las canónicas 24 fotos fijas por segundo, para registrar y para proyectar su particularidad, su ser, y así persistir en la retina, como corresponde a su ilusión móvil. La historia del cine es un viaje de personas que establecieron tanto alianzas como boicots con y contra esa serialidad que cada película lleva en sus genes. ¿Ser o no serie?, esa es la cuestión. Y Gérard Courant, un cineasta hasta hoy invisible para nuestro país, fue al germen de esta cuestión a través de una obra prolífica durante casi cuatro décadas en la búsqueda de la continuidad y la ruptura dentro del métier serial.<br> <i>La versión completa de este texto puede consultarse en el catálogo del Festival. </i><br> <b>Diego Trerotola</b> |
Cinema can be defined in all of its techno intimacy and scientific heart as being simply, and literally, serial photography –a way to shoot over and over the canonical 24 frames per second in order to register and project its uniqueness, its being, and persist on our eyes like any good mobile illusion. The history of cinema is a trip by people who established alliances and formed boycotts with and against that serial nature each film carries in its genes. To be a series or not to be one? That is the question. And Gérard Courant, a filmmaker who remained invisible in our country until today, was the seed of this issue through a prolific work that extends for over four decades in his quest for continuity and rupture within the serial métier.<br> <i>Read the full story in the Festival catalogue.</i><br> <b>Diego Trerotola</b> |
1.0 |
2010-03-17 12:37:12 |
2012-03-28 20:15:56 |
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| 54 |
1 |
Función de Apertura |
Opening Night |
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1.0 |
2010-03-17 16:22:02 |
2010-03-17 16:22:02 |
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1 |
| 55 |
2 |
Función de Clausura |
Closing Night |
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1.0 |
2010-03-17 16:30:01 |
2010-03-17 16:30:01 |
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3 |
Cortos institucionales |
Official Trailers |
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2010-03-19 01:00:38 |
2012-03-07 20:36:53 |
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| 64 |
10 |
Actividades Especiales / Diálogos |
SPECIAL ACTIVITIES / DIALOGUES |
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2010-03-24 21:43:29 |
2012-03-27 16:40:54 |
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10 |
Actividades Especiales / Presentaciones de libros |
SPECIAL ACTIVITIES / BOOK PRESENTATIONS |
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1.0 |
2010-03-24 21:49:45 |
2012-03-27 16:42:05 |
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10 |
Actividades Especiales / Mesas |
SPECIAL ACTIVITIES / ROUND TABLES |
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1.0 |
2010-03-24 21:52:07 |
2012-03-27 16:41:23 |
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10 |
Actividades Especiales / Seminarios |
SPECIAL ACTIVITIES / SEMINARS |
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2010-03-24 21:55:40 |
2012-03-27 16:42:37 |
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10 |
Actividades Especiales / Proyecciones |
SPECIAL ACTIVITIES / SCREENINGS |
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1.0 |
2010-03-24 22:34:19 |
2012-03-27 16:42:27 |
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| 70 |
10 |
Ciclo de Cine Gallego |
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1.0 |
2010-03-25 01:38:36 |
2010-03-25 01:38:36 |
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10 |
Actividades Especiales / Pequeña Música Nocturna |
SPECIAL ACTIVITIES / “A LITTLE NIGHT MUSIC” CONCERT SERIES |
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1.0 |
2010-03-25 01:54:27 |
2012-03-27 16:41:36 |
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8 |
Peter Von Bagh |
Peter Von Bagh |
Peter von Bagh vio todas las películas que hay que ver, generalmente más de una vez. A lo largo del medio siglo que ha dedicado al cine, llegó a conocer a todos los íconos y a los genios, a todos los rebeldes y a los autores dejados de lado, a todos los maestros subvalorados, e incluso todos los mediocres interesantes de aquellos viejos amaneceres de nuestro arte. Sí, los conoció a todos, porque vivió el tiempo suficiente para hacerlo. Y como es un gran narrador dotado de una voz poderosa y dominante, así como también de una sonrisa eternamente desconcertante en sus ojos, sabe cómo contar una buena anécdota sobre cada uno, porque le encanta transmitir lo que aprendió durante esas horas que pasó con ellos. Sí, Von Bagh es realmente un ejemplo único del cine vivido al máximo: una leyenda de la vieja escuela cinéfila.<br> <i>La versión completa de este texto puede consultarse en el catálogo del Festival. </i><br> <b>Olaf Möller</b> |
Peter von Bagh has seen every movie worth seeing, usually more often than once; during his half century in film, he has met every icon and every genius, every maverick and every overlooked auteur, every underrated master and even every interesting underachiever from this our art’s ancient mornings –every one, given that he has lived long enough; and being a great raconteur, graced with a strong, commanding voice as well as a perennially bemused smile around the eyes, he knows how to tell a good story about each of them– for he loves to pass on what he learnt during all those hours spent in their company. Yes, Von Bagh is truly a rare example of cinema lived to the full: a legend of old-school cinephilia.<br> <i>Read the full story in the Festival catalogue.</i><br> <b>Olaf Möller</b> |
1.0 |
2011-03-15 18:50:12 |
2012-03-23 19:57:32 |
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| 73 |
8 |
Zellner Bros. |
Zellner Bros. |
El cine estadounidense es un cine con muchos hermanos. Entre otros, los Marx y los Coen. Este Bafici les presenta a los Zellner. Aunque nacidos en Greeley, en el estado de Colorado, David y Nathan se convirtieron en cineastas de Texas. Con mayor precisión, de la ciudad de Austin. Con sus cortos –un muestrario increíblemente amplio de diferentes clases de humor– se hicieron habitués de Sundance, festival de Park City, en el estado de Utah. En el programa de cortos encontrarán un parto de lo más singular, perros y hasta un mono tremendo, pasando por una muy contradictoria salida del clóset. <br> <i>La versión completa de este texto puede consultarse en el catálogo del Festival. </i><br> <b>Javier Porta Fouz</b> |
American cinema has many brothers, like the Marxs and the Coens. This Bafici introduces the Zellners. Although they were born in Greeley, in the state of Colorado, David and Nathan became Texan filmmakers. From the city of Austin, to be more precise. Thanks to their short films –an incredibly wide sample of different kinds of comedy– they became regulars at Sundance, the festival in Park City, in the state of Utah. In the short film program you will find a very particular birth, dogs, a crazy monkey, and even a very contradictory way to come out of the closet. <br> <i>Read the full story in the Festival catalogue.</i><br> <b>Javier Porta Fouz</b> |
1.0 |
2011-03-15 18:51:31 |
2012-03-23 20:01:40 |
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| 74 |
8 |
Narcisa Hirsch |
Narcisa Hirsch |
Solitarios crepúsculos patagónicos y amuchados happenings urbanos, muñecas y manzanas, minimalismo y desborde, películas estructurales y registros documentales... Se podría seguir creando pares hasta tratar de definir todo el arco que comprende el cine de Narcisa Hirsch, con su sensibilidad íntima como antena para los distintos estados de transformación poética del cine; diferentes conjunciones que precipitan universos que necesariamente se podrían oponer pero conviven, unidos por una mirada que los envuelve. Suerte de nexo conjuntivo que puede comprender un rango estético fluctuante, la mirada de Hirsch es una forma de persistencia en la libertad de poder crear a través de un cine que además de desencuadrarse de la lógica industrial en cualquier sentido, también construyó un camino lateral, fuera de parámetros artísticos de moda o de necesidad de legitimidad. El cine de Hirsch germinó al margen pero siempre conectado con el mundo y su tiempo, buscando alternativas de belleza para vivir más allá de los límites de cada presente que transitó su caméra-stylo.<br> <i>La versión completa de este texto puede consultarse en el catálogo del Festival. </i><br> <b>Diego Trerotola</b> |
Lonely Patagonic sunsets and crowded urban happenings; dolls and apples; minimalism and excess; structural films and documentary records… One could keep inventing pairs that define the whole range of Narcisa Hirsch’s films and her intimate sensitivity that works as an antenna for different states of poetic transformation of cinema. They’re different conjunctions that create universes that could have been opposed, but instead coexist united by the view that involves them. A sort of connective link that contains a fluctuating aesthetic range, Hirsch’s film perspective is a way of persisting on creative freedom through a cinema that has differentiated itself from any sort of industrial logic while building a parallel track that goes independent from fashionable artistic parameters and the need of being legitimated. Hirsch’s cinema grew on the margins, but it remained connected to the world and its time, and searched for alternative beauty in order to live beyond the limits of the times her caméra-stylo experienced.<br> <i>Read the full story in the Festival catalogue.</i><br> <b>Diego Trerotola</b> |
1.0 |
2011-03-15 18:52:01 |
2012-03-23 19:50:08 |
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Boca do Lixo |
Boca do Lixo |
Boca do Lixo (Boca de Basura) es, antes que nada, un lugar físico en el centro de San Paulo que se extiende a lo largo de unas cuadras del barrio de Santa Ifigenia, detrás de la terminal de trenes más importante de la ciudad. La gran cantidad de robos y prostitución que había en la zona le valió su nombre en el mundo del cine (para fines de los ochenta, el área era más conocida como “Cracklandia”). Absolutamente desprovista de glamour, la Boca fue el lugar donde jóvenes productores se instalaron con muy poco o ningún presupuesto. El ethos de la clase trabajadora del barrio les proveyó de una infraestructura de producción: materiales de construcción para los sets, utilería, comida, vestuarios…todo era proporcionado de manera local y económica. El dueño de un restaurant podía hacer el catering de una película a cambio de la promesa de una parte de las ganancias. La cercanía con líneas ferroviarias importantes también le sumó la facilidad para enviar películas a cines todo a lo ancho de Brasil. A principios de los ‘50, en la arteria principal de Boca, la calle Triunfo, ya se habían instalado numerosas pequeñas productoras y distribuidores. |
The Boca do Lixo (‘Mouth of Garbage’) is first and foremost a physical place in the center of São Paulo, covering a few blocks of the Santa Ifigênia neighborhood behind the city’s main railway terminal. The prevalence of banditry and prostitution in the area earned it its namesake in the film world (by the late 1980s, the area was better known as ‘Crackland’). Unglamorous in the absolute, the Boca was a place for young producers to set up shop on little to no budget. The working-class ethos of the neighborhood provided a production infrastructurEdición / Editing: construction materials for sets, props, food, costumes, etc., were all furnished cheaply and locally. A restaurant owner could cater for a film shoot with the promise of earning back-end profits. Its proximity to central railway lines also brought added convenience for shipping films to cinemas all over Brazil. In the early 1950s, distributors and small production outfits had already installed themselves on the Boca’s main arterial pathway: Triunfo Street. By the end of the next decade, Triunfo Street was a hangout for aspiring filmmakers, starlets, journalists, students, and many others. Studio exiles and young intellectuals congregated in the Boca; its peculiarity as a quick-and-dirty production center meant producers were more likely to take risks on unconventional material. By 1973, the Boca do Lixo had entered its golden era. |
1.0 |
2011-03-15 18:52:21 |
2012-03-19 21:11:55 |
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Acid |
Acid |
“¿Por qué necesitamos tantas historias, tantas imágenes? ¿De dónde viene este deseo de sentarse en la oscuridad y fijar la mirada en la pantalla, donde otras personas viven sin que podamos responder a sus palabras ni intervenir en sus actos? |
“Why do we need so many stories, and so many images? Where do we get this desire to sit on the dark and focus our eyes on the screen, the place where other people live without us being able to answer them or intervene in their actions? |
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Tomas Alfredson |
Tomas Alfredson |
El sueco Alfredson es un director-incógnita. Sí, es conocido en Argentina por el estreno de sus dos últimas películas: Let the Right One In y Tinker Tailor Soldier Spy. O, como decían los afiches locales: Criatura de la noche: Vampiro y El topo, respectivamente. Casualmente o no, esos títulos argentinos remiten a seres que viven alejados de la luz. Uno se aleja por el momento del día en el que puede vivir, el otro vive escondido, bajo tierra. Vampiros, que traicionan la mortalidad. Espías dados vuelta, que traicionan a su país y a sus compañeros. En ambas películas, Alfredson narra, pero sus películas son ante todo descriptivas. Le interesa cómo es ser una vampira adolescente o cómo era ser un espía en Londres durante la Guerra Fría. Miren estas vidas, tienen estas características. Sí, claro, si sos una vampira y encima adolescente es probable que te pasen cosas dignas de ser contadas. Y también si sos un espía en la Guerra Fría. Pero no son las peripecias las que fascinan a Alfredson: es la sangre en la nieve, es el refugio del poder de la inmortalidad en un momento de la vida en que todo es extremo; es el cigarrillo constante, los trajes color habano, el cruce fugaz de sentimientos e ideas que se juegan pasionalmente bajo burocracias cerebrales. Ver Let the Right One In y Tinker Tailor Soldier Spy es entrar en esos mundos. De hecho, la novela en la que se basó Let the Right One In se llamó en castellano Déjame entrar, al igual que la película en España.<br> <i>La versión completa de este texto puede consultarse en el catálogo del Festival. </i><br> <b>Javier Porta Fouz</b> |
Swedish filmmaker Alfredson is a mystery-director. Yes, he’s known in Argentina for the release of his two last films: Let the Right One In and Tinker Tailor Soldier Spy. Or, as the local posters said: Criatura de la noche: Vampiro and El topo, respectively. Coincidence or not, these Argentine titles refer to beings that survive away from the light. One escapes from it because of the time he can live, and the other one lives hidden underground. Vampires who betray immortality. Turned-over spies who betray their country and colleagues. In both films, Alfredson narrates, but his films are above all descriptive. He is interested in what is like to be a female vampire, or what was like to be a spy in London during the Cold War. Look at these lives, they have those characteristics. Yeah, sure, if you’re a female teen vampire there is a good chance things will happen to you that are worth narrating. And also if you’re a spy during the Cold War. But Alfredson is not fascinated by events: it’s the blood on the snow; it’s taking shelter in the power of immortality at an age when everything is extreme; it’s the constant cigarette, the brown suits, the ephemeral crossing of feelings and ideas that undergo passionately beneath cerebral red-tape. Watching Let the Right One In and Tinker Tailor Soldier Spy means entering those worlds. As a matter of fact, the novel in which Let the Right One In was based was called Déjame entrar (“Let me in”), just like the film in Spain.<br> <i>Read the full story in the Festival catalogue.</i><br> <b>Javier Porta Fouz</b> |
1.0 |
2011-03-15 18:53:25 |
2012-03-23 19:44:02 |
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8 |
Travelling Buenos Aires |
Travelling Buenos Aires |
Edgardo Cozarinsky siempre fue un cineasta y un escritor errante con un persistente interés por historias de personajes desplazándose de un lado a otro, buscando su lugar, movidos por el impulso propio y por el pulso de los tiempos. Pero cuando ha filmado una ciudad como centro dramático y emocional, esa ciudad ha sido Buenos Aires. Buenos Aires como movimiento, como desplazamiento, como mutación. La ciudad que es mirada pero también mira y se mira a sí misma.<br> <b>Sergio Wolf.</b> <i>La versión completa de este texto puede consultarse en el catálogo del Festival. </i> |
Edgardo Cozarinsky has always been an errant filmmaker and writer with a persisting interest for characters who move from one place to another, searching for their place in the world and moved by their own impulses and the pulse of their time. But whenever he used a city as the emotional and dramatic center of his films, it has always been Buenos Aires. Buenos Aires as movement, displacement, mutation. A city that is observed but also observes itself and others.<br> <b>Sergio Wolf.</b> <i>Read the full story in the Festival catalogue.</i> |
1.0 |
2011-03-15 18:54:46 |
2012-03-23 19:33:56 |
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8 |
Ruth Beckermann |
Ruth Beckermann |
Las películas de Ruth Beckermann (Viena, 1952), en su variedad de temas, territorios y hasta estilos, han ido construyendo silenciosamente una teoría del relato y de la memoria (todo relato es memoria, toda memoria es invención, toda imagen impresión) donde lo narrativo se liga con lo sensorial. Tras algunos documentales registrando movimientos sociales, realizados de forma colectiva a fines de los ‘70, el pasado empezó a tener mayor importancia en sus films, que desde entonces oscilan entre la observación, el testimonio y el ensayo con textos en off a la manera de Chris Marker. Pero si bien Return to Vienna, el más antiguo de los films presentados aquí y el último en codirección, hace uso del archivo fílmico, a partir de entonces Beckermann lo reduce a unas pocas fotografías: ha empezado a cuestionarse el papel de la imagen como registro de ese pasado.<br> <i>La versión completa de este texto puede consultarse en el catálogo del Festival. </i><br> <b>Fernando Chiappussi</b> |
The films of Ruth Beckermann (Vienna, 1952), with all their varied topics, territories, and styles, have silently built a theory of storytelling and memory (all stories are memory, all memories are inventions, all images are impressions) where narration links to the world of senses. After making some documentaries that recorded social movements, made collectively in the 70’s, the past gained importance in her films, which since then swing between observation, testimony, and essay works with texts read by a voice over in the style of Chris Marker. But even if Return to Vienna, the oldest one programmed here and the last she co-directed, uses archive footage, from that film on Beckermann reduces that tool to a few photographs: she has begun to question the role of images as records of the past.<br> <i>Read the full story in the Festival catalogue.</i><br> <b> Fernando Chiappussi </b> |
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2011-03-15 18:55:25 |
2012-03-23 19:37:43 |
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Viennale |
Viennale |
En el vasto circuito internacional de festivales de cine hay cierto número de festivales más pequeños o de tamaño medio que se conectan entre sí por una suerte de afinidad político-estética y mantienen relaciones de amistad. A diferencia de los festivales grandes, exclusivos, no se definen por su carácter de evento, sus estrategias de marketing o la competencia mutua, sino más bien por la causa en sí misma: el cine y las personas involucradas creativamente en él. Estos festivales existen a lo largo y a lo ancho del mundo, desde Corea a Canadá y desde Portugal a Argentina, aunque algunos de ellos sean más conocidos que otros. Lo que comparten, de una u otra forma, es el interés y la pasión por el cine independiente, sin prejuicios; la felicidad del descubrimiento y la disposición a aceptar riesgos, ideas sobre la historia del cine y actividades que conduzcan a un futuro más allá de los intereses del mercado y la competencia.<br> <i>La versión completa de este texto puede consultarse en el catálogo del Festival. </i><br> <b>Hans Hurch, Director de la Viennale</b> |
In the great international circuit of film festivals there are a number of smaller and medium-sized festivals that are connected through a kind of political and esthetic affinity and maintain friendly relations to one another. Compared to the large, exclusive festivals, they are not defined by their event character, market strategies and mutual competition, but rather by the cause itself –cinema and the people who are creatively involved in it. These festivals exist all across the globe, from Korea to Canada and Portugal to Argentina, some of them more well-known than others. What they share in different ways is their interest and passion for open-minded, independent cinema, their joy of discovery and readiness to take risks, ideas of the history of cinema, and activities for a future beyond market interests and competition.<br> <i>Read the full story in the Festival catalogue.</i><br> <b>Hans Hurch, Viennale Director </b> |
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2011-03-15 18:55:57 |
2012-03-23 19:58:50 |
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Grant Gee |
Grant Gee |
Al final, tener buen gusto importa. Porque es algo más que un signo de distinción a ostentar en cenas con amigos. Si tomamos como ejemplo el caso del británico Grant Gee, su buen gusto como consumidor cultural condiciona su criterio como creador audiovisual. El objeto de sus trabajos siempre tiene un gran bouquet. Es decir, que Gee como sujeto de esos mismos trabajos ya demuestra tener también un paladar muy bien educado. Y si no es el paladar, el oído. Teniendo en cuenta que la mayor parte de su filmografía, ya sea en formato videoclip, video-creación, cortometraje o documental, está relacionada con la música, hay que celebrar que Grant Gee haya escogido tan sibaritamente con qué nombres trabajar: Radiohead, Gorillaz, Joy Division, Scott Walker, John Cale… Todos grupos y artistas de perfil anguloso que generalmente escapan del gusto mayoritario y de la duda sobre su validez creativa, aunque siempre exista algún espectador con ánimo de discutir, claro (“¡Radiohead no es para tanto!”).<br> <i>La versión completa de este texto puede consultarse en el catálogo del Festival. </i><br> <b>Joan Pons</b> |
In the end, having good taste matters. Because it’s more than just something you can brag about at dinner parties. If we consider the case of British director Grant Gee, his good taste as a cultural consumer determines his criteria as an audiovisual creator. The objects of his works have always carried a great bouquet. This means Gee –as a subject of those same works– proves already that he has a well educated pallet. And if it’s not his pallet, it’s his ear. Considering that most of his filmography –his music videos, creative-videos, short films, or documentaries– is related to music, we should celebrate that Grant Gee chose with such fine taste the people he teamed up with: Radiohead, Gorillaz, Joy Division, Scott Walker, John Cale… They’re all sharp bands and artists who usually escape massive preferences and the doubts about their creative validity –although there’s always a spectator willing to discuss it, of course (“Radiohead is not that good!”).<br> <i>Read the full story in the Festival catalogue.</i><br> <b>Joan Pons</b> |
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2011-03-15 18:56:22 |
2012-03-23 20:05:58 |
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Signe Baumane |
Signe Baumane |
Sumergirse en un mundo de relatos lúbrico-festivos como el de Signe Baumane ha de servir para colmar múltiples necesidades. Por ejemplo, para ahogar la pena y entrar en una sana catarsis con el resto de los asistentes a la proyección de turno. Por ejemplo, para sentir reflejadas en sus películas lo sublime y lo miserable de nuestras desventuras eróticas. Es decir, tienen ustedes la carcajada asegurada desde ya pero también ese puntito de sonrojo que arrastra el identificarnos con lo que vemos en pantalla.<br> <i>La versión completa de este texto puede consultarse en el catálogo del Festival. </i><br> <b>Fran Gayo</b> |
To dive into Signe Baumane’s world of lubricious and festive stories should easily fulfill multiple needs. For example, drowning your sorrows and experiencing a healthy catharsis with the rest of the people in the screening room. Or seeing how the sublime and miserable nature of our erotic misfortunes reflects on the film screen. So, you’re in for a sure laugh, but also for that blushing spot that comes from relating to what we see on the screen.<br> <i>Read the full story in the Festival catalogue.</i><br> <b>Fran Gayo</b> |
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2011-03-15 18:56:50 |
2012-03-23 20:13:21 |
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Fernand Melgar |
Fernand Melgar |
Fernand Melgar nació en una familia de sindicalistas españoles exiliados en Tánger, Marruecos. Sus padres lo llevaron escondido con ellos cuando emigraron a Suiza en 1963, como labradores estacionales. A comienzos de los años ochenta, abandonó sus estudios en administración de empresas para fundar con varios amigos Le Cabaret Orwell en Lausana, el cual muy pronto se volvió una meca para la cultura subterránea francófona en Suiza. Luego creó La Dolce Vita, el club de rock internacionalmente reconocido, también en Lausana, que ofrecía un programa de proyecciones de video-arte. Autodidacta, no tardó en dedicarse a dirigir y producir películas y, a partir de 1983, empezó a reunir varios films experimentales y reportajes iconoclastas para televisión. En 1985 entró al colectivo Climage, una asociación de cineastas comprometidos e independientes y una de las productoras documentales suizas más prolíficas de la actualidad. |
Fernand Melgar was born into a family of Spanish unionists exiled in Tangiers, Morocco. His parents smuggled him with them when they migrated to Switzerland as seasonal laborers in 1963. In the early Eighties, he dropped his business studies in order to found, together with several friends, the Cabaret Orwell in Lausanne, which would soon become a Mecca for Switzerland’s French-speaking underground culture. Later, he created the internationally renowned rock music venue La Dolce Vita, also in Lausanne, which screened a video-art program. A self-taught, freelance film director and producer, in 1983 he began compiling various experimental films and iconoclastic interviews for television. In 1985 he joined Climage, a collective of independent and engaged filmmakers and one of Switzerland’s most prolific documentary production companies today. |
1.0 |
2011-03-15 18:58:26 |
2012-03-19 21:23:51 |
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Carlos Prates |
Carlos Prates |
Ni los senderos serranos por los que pasean las chicas en Noites do sertão; ni la carreta caída en el tiroteo del western al inicio de Minas-Texas; ni el tren donde el elegante personaje de Cabaret mineiro conoce a la chica de sus sueños atraviesan el eje Río-San Pablo, las dos ciudades que se disputan el título de epicentro cultural brasileño.<br> <i>La versión completa de este texto puede consultarse en el catálogo del Festival. </i><br> <b>Eloisa Solaas</b> |
Two cities fight for the title of Brazil’s cultural epicenter, but the Rio-Sao Paulo axis is not a theme in the mountain paths through which the girls of Noites do sertão walk by; or the fallen wagon in the western/style shootout at the beginning of Minas-Texas; or the train where the elegant main character of Cabaret mineiro meets the girl of his dreams.<br> <i>Read the full story in the Festival catalogue.</i><br> <b>Eloisa Solaas</b> |
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2011-03-15 18:59:35 |
2012-03-23 20:12:06 |
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Funciones Especiales |
Special Screenings |
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2011-03-19 22:30:51 |
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3 |
Muestra de Cortos |
Argentine Short Films Exhibition |
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2011-03-21 13:22:22 |
2011-03-21 16:06:23 |
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10 |
Actividades Especiales / Presentaciones de Concursos |
SPECIAL ACTIVITIES / CONTEST PRESENTATIONS |
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2011-03-21 15:39:55 |
2012-03-27 16:41:51 |
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Entrega de Premios |
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2011-03-22 15:30:55 |
2011-03-22 15:30:55 |
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7 |
Adolescencias |
Adolescences |
La adolescencia como el momento en que comienza la libertad, o la conciencia de no tenerla: los jóvenes de estos films se asoman a un mundo que no terminan de conocer y en el que se mueven con torpeza pero también con decisión. Cuando se olvidan de sí mismos y vuelven a ser niños, pueden ser felices, como el protagonista de L’estate di Giacomo, pero a menudo empiezan a ser conscientes de las desigualdades a su alrededor (Nosilatiaj. La belleza) y en algún caso las viven desde pequeños (Kids Stories). Escapar puede ser una opción, ya sea tomando la ruta por tierra o por mar (Un mundo secreto) o soltando la fantasía, como hacen las chicas de Palácios de pena. Incluso pueden cruzar el mar en la panza de un barco, la aventura que el guineano David vivió y cuenta en el documental santafesino El gran río. Todo vale si se trata de ser uno mismo, ser diferente. |
Adolescence as the moment in which freedom starts, or at least when you realize you don’t have any: the young people in this films are leaning into a world they haven’t fully understand yet, where they move clumsily but also with determination. When they forget about themselves and go back to being children they can actually be happy, like the main character in L’estate di Giacomo, but they often become aware of the inequalities that surround them (Nosilatiaj. La belleza) and in some cases experience them from a very early age (Kids Stories). Escaping can be an option, whether they do it by land or by sea (Un mundo secreto) or unleashing fantasy, like the girls in Palácios de pena. They can even cross the ocean on a boat’s stomach, like Guinean David’s adventure, which he describes in the Santa Fe documentary El gran río. Everything goes if you’re trying to be yourself, and be different. |
1.0 |
2009-03-06 11:35:13 |
2012-03-19 20:48:51 |
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7 |
Odiseas del Espacio - Cine y Arquitectura |
Space Oddyseys - Cinema and Architecture |
Todos los films de esta sección tienen que ver con el sueño de una construcción o un diseño capaz de desafiar la imaginación, el horizonte que el mundo nos tenía destinado. Varios refieren a grandes proyectos arquitectónicos, como complejos habitacionales pensados para resolver problemas de vivienda (Tlatelolco, The Pruitt-Igoe Myth), pabellones universitarios de vanguardia de cuando el impulso revolucionario en Cuba estaba intacto (Unfinished Spaces), el insólito refugio argentino para las cenizas del Dante (El rascacielos latino) o, yendo a la utopía más desenfrenada, la construcción de una pista de esquí alpino en Dubai (Alpi). No pocos de estos documentales refieren la decadencia y el fracaso de los proyectos. El arco va de la arquitectura más autoral (Parabeton) al puro impulso de la desesperación habitacional (Errantes) y sus efectos trascienden lo estético para implicar lo urbanístico, lo social e incluso lo político. |
All the films in this section are related to the dream of building or designing something that could challenge imagination and the horizon the world destined for us. Several refer to big architectonic projects, like apartment complexes planned as a solution for housing problems (Tlatelolco, The Pruitt-Igoe Myth), avant-garde college pavilions from the time Cuba’s revolutionary impulse was intact (Unfinished Spaces), or the incredible Argentine refuge for Dante’s ashes (El rascacielos latino) or, if we think of a more unleashed utopia, the building of an alpine ski run in Dubai (Alpi). Several of these documentaries tap into these projects’ decadence and failure. The range extends from author-architecture (Parabeton) to the pure impulse of housing desperation (Errantes), and their effects transcend the aesthetic field and include urban, social, and even political perspectives. |
1.0 |
2009-03-06 11:35:13 |
2012-03-19 20:50:02 |
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7 |
Cine + Cine |
Cinema + Cinema |
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2009-03-06 11:35:13 |
2011-03-19 22:23:18 |
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7 |
Música |
Music |
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2009-03-06 11:35:13 |
2011-03-19 22:23:18 |
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7 |
Trances |
Trances |
Sí, ésta es una sección sobre drogas. No tanto sobre sus efectos sensoriales o las dependencias que pueden ocasionar. Sí sobre su circulación. De todas las historias que surgen sobre el tema, las más increíbles suelen ser sobre “intercambios” y en esa línea van los documentales del norteamericano Billy Corben, que en los últimos años parece haberse especializado en el tema. El Bafici presenta cuatro de sus trabajos: los esenciales Cocaine Cowboys (partes I y II), que cuentan en primera persona cómo el polvo blanco entró a mansalva en territorio estadounidense durante los años ‘80 y ‘90, llegando incluso a influir en el desarrollo inmobiliario de Miami (¡!); Limelight, dedicado a la conexión entre los clubes de música electrónica y las drogas de diseño, y el no menos estimable Square Grouper que gira en torno a la marihuana. Como extra bonus, otro documental sobre el LSD, su científico creador Albert Hofmann y su más famoso evangelizador, el “reverendo” Timothy Leary. |
Yes, this is a section devoted to drugs. Not so much to their sensorial effects or the addiction they may trigger, but about its circulation. Out of all the related stories, the most incredible ones are usually about “exchanges” and that’s the orientation of the documentaries of American filmmaker Billy Corben, who in recent years seems to have specialized in the subject. Bafici presents four of his films: the essential Cocaine Cowboys (parts I and II), a story told in the first-person about how the white powder entered into American territory in the 80’s and 90’s, and even affected Miami’s real estate market (!); Limelight, which deals with the connection between electronic music clubs and design drugs; and the remarkable Square Grouper which revolves around marihuana. As a bonus extra, the section features another documentary on LSD, its creator Albert Hofmann, and its most famous promoter, “reverend” Timothy Leary. |
1.0 |
2009-03-06 11:35:13 |
2012-03-19 20:53:34 |
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Nocturna |
Late Night |
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2009-03-06 11:35:13 |
2011-03-19 22:23:18 |
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Selección Oficial |
Official Selection |
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2009-03-06 11:11:51 |
2011-03-17 19:32:58 |
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João Canijo |
João Canijo |
En la presentación de su última película, Sangue do meu sangue, en el Festival de San Sebastián, João Canijo explicó que este film, y en general toda su obra, intenta ser un reflejo de la realidad social del Portugal de su tiempo sin tener que mostrar todo aquello que la marca y condiciona. Canijo escoge momentos, de sus personajes y del momento que viven, porque “para dar fe de una realidad concreta no es necesario enseñar todo para que algo quede”.<br> <i>La versión completa de este texto puede consultarse en el catálogo del Festival. </i><br> <b>Quim Casas</b> |
At the presentation of his latest film Sangue do meu sangue in the San Sebastián Film Festival, João Canijo explained how this film –and his entire work– tries to reflect the Portuguese social reality without having to show everything that marks and conditions it. Canijo picks moments in his characters’ lives because “when testifying on a concrete reality you don’t need to show everything for something to remain”.<br> <i>Read the full story in the Festival catalogue.</i><br> <b> Quim Casas </b> |
1.0 |
2009-03-06 11:36:16 |
2012-03-23 20:14:47 |
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8 |
Wei Te-Sheng |
Wei Te-Sheng |
La de Wei Te-Sheng es una carrera extraña. En 1999 hizo su ópera prima, About July, una película sobre un adolescente y su relación con el mundo de los gángsters, entre otras cosas. Años después, ya en otra década, otro siglo y otro milenio, Wei hizo su segunda película. Su segunda película, que en realidad filmó para poder conseguir la plata para hacer la tercera, que si hubiera tenido la plata en ese momento habría sido la segunda. En fin, la historia que merece contarse es que la que efectivamente fue la segunda, Cape No. 7, se convirtió nada menos que en la película más taquillera de la historia de Taiwán, recaudó más de diez veces su costo e influyó de tal manera en el país que varias líneas de diálogo se convirtieron en frases de uso cotidiano. En el extranjero, la película circuló por algunos otros países de Asia, algunos festivales europeos (eventos de cine asiático, principalmente) y su exhibición en las Américas fue en el Festival de Hawai. Desde hace muchos años (más o menos veinte) que a las películas más populares de los países “fuera de Hollywood” les cuesta cada vez más llegar a otros territorios. En Argentina, por ejemplo, ya ni sabemos cuáles son las películas más vistas en Italia, ni quienes son los actores más conocidos.<br> <i>La versión completa de este texto puede consultarse en el catálogo del Festival. </i><br> <b>Javier Porta Fouz</b> |
Wei Te-Sheng’s career is strange. In 1999 he made his first film About July, a film about a teenager and his connection to the gangster world, among other things. Years later, in another decade, century, and millennium, Wei did his second film. This second one he actually made it to get the money for his third one, which would have been the second one if he would have had the money at the time. Anyway, the story that deserves to be told is about the one that actually became the second one, Cape No. 7, which became nothing less than the most popular film in the history of Taiwan, grossing more than ten times what it had cost and influencing the country so much that several lines of the script became common expressions in everyday life. Abroad, the film circulated through some other Asian countries, some European festivals (Asian cinema events, mostly) and its only American screening took place at the Hawaii Film Festival. The most popular films in countries “outside Hollywood” have had a hard time getting to other territories for quite some years now. In Argentina, for example, we don’t even know which the most popular films in Italy are, or the names of their biggest stars. <br> <i>Read the full story in the Festival catalogue.</i><br> <b>Javier Porta Fouz</b> |
1.0 |
2009-03-06 11:36:16 |
2012-03-23 20:15:47 |
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10 |
Actividades Especiales / BAFICI al Aire Libre |
SPECIAL ACTIVITIES / OPEN-AIR BAFICI |
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2012-03-26 16:23:13 |
2012-03-27 16:42:50 |
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10 |
Actividades Especiales / BAFICITO al Aire Libre |
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1.0 |
2012-03-28 22:26:17 |
2012-03-28 22:26:17 |
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11 |
Competencia de DDHH |
Human Rights Competition |
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12 |
Competencia UNICEF |
UNICEF Competition |
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